影史上至今无法超越的7个拍摄手法！
电影语言从早期的电影发展到现在已经有了很大的发展，但是现在许多最关键的电影制作技术都起源于经典电影……
许多常见的视觉技术，如跳接或快速摇摄，最终在主流电影中找到一席之地之前，首先被用于实验电影制作。其他的创新，比如Dolly Zoom，是在高端功能上开发的，有足够的预算来达到技术精度。有些技术是随着时间的推移而有机地发展起来的，而另一些技术则是由有远见的导演为特定的电影所开创的，比如斯派克·李的经典《走》。
但并不是视觉语言随着时间的推移而进化，观众也一样。
现在看电影的人对电影的语言都很流利。他们直觉地理解静态镜头和跟踪镜头之间的情感差异……在广角特写和远距特写之间。即使他们没有有意识地去思考它，他们已经看过足够多的电影来理解如何解读这些视觉线索，以及这些导演选择的意义。
作为电影制作人，这对我们来说是不可思议的强大，因为它给了我们一个与观众沟通的捷径。只要我们深入挖掘我们的工具箱，使用正确的工具，我们就能比以往更有效地表达我们的想法。
带着这一点，今天我想探讨我最喜欢的7种视觉技术。
以下每一个都是多年来电影术语的一部分，并继续与几乎所有类型的观众产生共鸣。
没有特定的顺序：
TRACK-IN/TILT UP上摇
可以说是传达角色新发现的力量感的最佳方式……这种技术有效地结合了另外两种拍摄风格(the dolly forward and the upward tilt)，将它们融合在一起，传达出一种强有力的信息。
仅仅是对一个角色的动作就能告诉观众很多事情——尤其是现在这个场景是关于谁的……
例如，想象一个场景，六个人在一起吃饭。通过向其中一个角色推进，作为对话的重要台词，这个角色的重要性(或台词的重要性)被放大了。
同样，在这个场景中，倾斜也会告诉我们很多关于这个角色的事情。
如果桌子上的6个人中有5个人都是直直的，但其中一个人的镜头从下方拍下来，镜头略微倾斜，会让他们感觉比其他人更有力量。
把这两种技巧结合在一起——通过插入角色，同时倾斜——不仅让我们感觉到角色的重要性，也让我们感受到他们的力量……结合有效的阻挡，它可以创造一个真正大胆的时刻。
例如，在上面所描述的场景中，假设摄像机在一个关键的线上对一个特定的字符进行渲染，当线结束时，这个字符就会站起来。因为他们现在是站着的，所以脸朝上的倾斜会更引人注目(一个更极端的角度)，而且会给人一种场景中的重大变化感，更显著地标志着权力的转移。
许多导演，尤其是史蒂芬·斯皮尔伯格，多年来一直使用这种技术，但它仍然像以前一样新鲜。
minor off speed 慢镜头
如今的电影制作人在慢动作方面越来越倾向，因为很多人似乎都有一句口头禅:慢就是好。虽然在某些情况下，在120fps(甚至是2000fps的真实高速摄像机)拍摄时，会产生一些令人难以置信的结果，但通常情况下会更少。
有些导演喜欢强调关键的镜头，仅仅是过度的渲染，以略微高的帧率拍摄。36fps是一个常见的选择，当它在24fps中回放时，它有足够的慢动作感觉你可以感觉到它，但还不够，它对一般观众来说是显而易见的。以48fps为例，当镜头以半速回放时，会产生更明显的慢动作效果。
当然，也有一些电影或场景需要极端缓慢的动作，但在很多情况下，过度缓慢的动作实际上会把观众从场景中拉出来——尤其是当它仅仅被用来拍摄一个镜头的时候。从标准动作切换到明显的慢动作，然后再回来，不使用速度坡度或其他过渡镜头可能会非常不和谐。36fps，或者其他稍微有点过弯的帧率(比如30fps)，用标准的24fps材料做得更好，并且在创造梦幻氛围的同时保留观众。
众所周知，许多导演在他们的镜头上都有些夸张，包括马丁·斯科塞斯(Martin Scorsese)，他也谈到了自己对慢动作的运用。这是他在《愤怒的公牛》中的慢镜头
对于快节奏的场景，很多导演/DPs会选择22帧甚至20帧而不是24帧。以正常速度回放，它会产生惊人的效果，这是非常微妙的，以至于你甚至没有注意到。
CHARACTERS LEAVING THE FRAME
作为电影制片人，我们的本能几乎总是想表现出银幕上的任何动作。举个例子——如果我们观察一个角色在房间里踱来踱去，当他在房间里来回走动时，我们可以很直观地看到他(无论是手持的还是用三脚架移动的)。99%的情况下，这是大多数导演都会选择的。
但也可以选择完全不跟随这个角色。在刚才描述的场景中，想象一下摄像机被锁在三脚架上，直接指向房间的中心。也许房间的最左边和最右边在框架中是看不到的，但是中心是。如果这个角色来回踱步，我们只会看到他/她的小爆发。也许会有那么一刻，角色靠在最左边的方向倾斜上，我们完全在视觉上失去了他们……我们仍然能够听到他们的声音，感觉到他们在场景中的存在，但是房间里会显得空荡荡的。
从风格上来说，这种选择是非常临床的，或者说是默认的无所不知。与跟踪镜头不同的是，跟踪镜头可能会从一个角色的头部后面(创造一个非常善解人意的POV，让观众站在角色的立场上)，这种技术的作用恰恰相反。它将观众定位为墙上的苍蝇，让他们以隐喻的方式，从远处客观地观察场景。
这是Jean Luc Godard 's Hail Mary -的一个例子
从格斯·范·桑特到索非亚·科波拉，再到伍迪·艾伦，无数的导演都在他们的电影中使用了这种手法，而且非常有效。就我个人而言，我发现它在整部电影中使用效果最好，而不是仅仅使用一个镜头或场景。这也是对那些只使用自然声音的电影的一种很好的赞美(除了场景中播放的音乐之外，没有原创的乐谱或音乐)，因为简单的视觉和有机的声音都能创造出高度客观的视角。
THE DUTCH TILT 斜角镜头
这当然是书中最经典的技巧之一，但仍然和以前一样有效……
我们接受的训练是用一条直线拍摄一切，就像人眼看到的那样。我们不会东倒西歪地看着周围的世界，所以我们为什么要用倾斜的视角看电影呢?
在很大程度上，我们没有。看一段不平衡的镜头会让人感到迷惑甚至恶心。这尤其适用于移动的镜头，因为一个平移镜头会使一个倾斜的角度变得比原来更大。
但有时让观众感到不舒服或不舒服是关键。类型片——尤其是恐怖片——几十年来一直在用荷兰式的倾斜方式向观众灌输一种混乱的感觉，往往是在故事的紧张气氛升级到沸点的时候。这项技术起源于1920年的恐怖电影《卡利伽利博士的小屋》，自那以后，它一直被用于无数类型的电影。
它不仅仅是恐怖电影的一个工具，它可以被有效地运用到任何类型的电影中，包括戏剧，在那里它将呈现给观众一个稍微不同的意义。它总是会产生一种不安的感觉，但正如你想象的那样，当它在家庭戏剧中使用时，它会产生一种微妙得多的效果。结合角度本身和电影的整体色调最终将决定它对观众的影响的强度。
虽然斜角镜头可以是一个非常强大的工具，但它通常只适用于任何给定影片中的少数几个镜头。经常使用它会削弱它对观众的影响，并最终夺走它的力量，为观众带来特定的时刻或场景。
DEEP DEPTH OF FIELD 深景深
虽然浅景深在很大程度上已经成为当今电影人(尤其是那些经历过单反革命的人)的默认拍摄风格，但如果在合适的背景下使用，深度DOF可能是一个更有效的选择。
超浅的DOF曾经是一种主要用于戏剧效果的风格技巧——例如，用来表现一个在意识中飘忽不定的角色。但是数码单反和大型传感器影院摄像头，使它变得太过夸张了，不再像以前那样给人以情感上的冲击。
另一方面，深度的领域，可能比以往更有效，因为它在现代电影中是如此罕见的。随着更多的帧在焦点中，深度DOF吸引了对环境的注意，允许设置成为一个字符本身。它还能在场景中营造出一种现实主义的感觉，给观众一种更大的感觉，让他们感受到自己的存在——并让他们在场景中找到一些更微妙的选择。
奥森·威尔斯(Orson Wells)在《公民凯恩》(Citizen Kane)中，这是出了名的深景深。
如今，许多电影人都避免在深镜拍摄，因为这更像是一种挑战。需要更多的照明，延长安装时间，生产设计需要完美无瑕，在框架设计上没有错误的空间……
相比之下，浅景深拍摄则比较容易。把背景从焦点上抛掉，它看起来会很不错。但是，DOF的深入给拍摄带来的额外挑战是一件好事。通过更困难的拍摄(尽管不愉快)通常会产生更好的创造性结果，因为需要做出更具体的选择，而对细节的关注是不可协商的。
TELEPHOTO ACTION SHOT 长焦动作拍摄
另一种我们不像以前那样经常看到的技术是长焦动作镜头。
在稳定镜头出现之前，没有一种简单的方法可以捕捉跑动和跟踪镜头，这些镜头会跟随演员快速移动。有时可以用小车，也可以用手持式手持式(当摄像机足够轻的时候)，但实际上，在稳定镜头之前，在快节奏的场景中，平滑镜头的选择是非常有限的。
正因如此，黑泽明(Akira Kurosawa)这样的电影制作人经常在镜头上使用长焦镜头，从远处拍摄动作场景。这不仅能让他们在更大的距离上跟踪运动，还能在每一个镜头中产生更大的强度和混乱的动作。
在一个长镜头上，比如120mm的镜头，即使是一个小镜头也会在背景中产生大量的运动。这种夸张的动作配合动作场面十分完美，尤其是与普通(或宽)镜头相比，从三脚架上拍摄时，镜头的速度明显减慢。
如今，多亏了稳定镜头(当然也有噱头)，许多电影制作人选择用广角镜头拍摄，把镜头放在接近演员的地方，并在动作场面中亲自追赶他们。这可以很好地工作，但重要的是要记住这不是我们唯一的选择。在某些情况下，走旧一点的路，后退一步，从远处拍摄动作，可以产生更独特的结果，同时简化了制作需求。
STARK COLOR CONTRAST 鲜明色彩对比
自从早起的彩色摄影开始，最好的摄影师总是想办法给他们的图像增加色彩对比，颜色对比是非常悦目的人类眼睛，只有当两种相反的颜色在一起时才会存在，比如红色和蓝色。
在色彩分级变得像今天这样先进之前，色彩对比在相机中主要是通过使用彩色凝胶或灯泡来混合场景中的色彩温度来实现的。
最近，我再次观看了最初的《阴风阵阵》(1977)，我无法忘记色彩对比的华丽运用，给电影的基调增加了如此多的色彩-
有一段时间，颜色对比似乎从独立电影的语言中的消失了一点……几年前，当乳白色的黑色开始流行时，许多电影制作人选择了更柔和的色调，不幸的是，这导致了画面的色彩对比很少。
但最后，似乎更独立的电影制作人正在寻找利用色彩来有效地塑造电影基调的方法，而作为其中的一部分，色彩对比似乎又回到了讨论中。
颜色对比的概念可以适用于每一种流派，但它的使用方式往往取决于流派。例如，恐怖片可以用红色/蓝色、动作片的蓝绿色/橙色，或者科幻的绿色/紫色。颜色对人类的大脑有如此强烈的心理影响，所以如果我们不总是寻找方法来强调我们的颜色调色板——无论是通过灯光还是颜色分级LUTs——我们就失去了一个重要的机会。
最终的想法
我上面列出的7种技术仅仅代表了我们作为电影制作人所能接触到的少数工具。并不是每一部电影都需要使用所有这些技巧(或其中任何一种)，但重要的是要理解它们的含义，以及它们传达给观众的信息，以便知道何时使用它们。
没有什么比重新观看经典电影更令人鼓舞的了，它们真正地开辟了新的领域，并帮助塑造了我们今天所知道的电影的视听语言。
注：本文翻译至外文
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